文 | 小娱儿

音乐产业正经历着双重提速。

其一，是AI推动生产端的效率加速，音乐创作周期极大缩短。其二，是消费端的注意力碎片化，短视频将旋律压缩为十余秒，音乐正失去作品表达的完整性。

但是，AI与短视频并没有“杀死”原创音乐，只是不断筛选着“短期愉悦”。在这场效率至上的洪流中，仍有人选择把时间留给长期创作。截至2025年底，网易云音乐入驻原创音乐人突破100万。网易云也将历时多年的“硬地原创音乐榜”，正式升维为 “硬地原创音乐奖” 。

当技术让生产变得无比轻便，我们评判“好音乐”的标准是否有了改变？那些需要时间沉淀的个体感知与时代旋律，又该如何被看见和衡量？这份特殊的年度提名名单，或许正是回答这些问题的开始。

速食时代，原创音乐更有“嚼头”了？

传统流行榜单往往代表大众的当下情绪，硬地原创音乐奖的入围名单，则更像一份关于华语原创音乐的“现状切片”，显现出音乐产业的几大趋势。

趋势一，是前浪后浪的代际同台。前辈与新人同时提名背后，是原创音乐行业的代际传承与共生。在“最佳摇滚专辑”的提名中，既有成立近30年的P.K.14的新作《我们的样子》，也有初露锋芒的紅髮少年殺人事件的新作《BRUTAL GIRL DELUSION》。

P.K.14&紅髮少年殺人事件

在整体向“流行效率”收拢的市场环境里，来自不同世代的审美经验、创作方法与情绪密度，共同构建了一个能够超越短期流量周期的场域。

趋势二，独立音乐创作的内核，仍然是聚焦自我探索。相较于讨好和迎合市场，范晓萱、祁紫檀、施鑫文月等音乐人的作品，都呈现出强烈的自我表达倾向，音乐人们更多将创作视为自我勘探的工具，是自我沉淀的艺术品，并非写给市场的内容，这本身就非常“独立音乐”。

趋势三，是融合。当代原创音乐的一个很妙的变化，是风格边界的松动。随着公众聆听专业性与审美判断力的不断提升，当下优秀的原创音乐，正越来越难以被单一的流派标签所定义，音乐风格正成为服务于个性化表达的载体。

比如提名“年度专辑”的陳嫺靜，其作品《如果每天都可以 happy happy 谁想要sad:)) - 一起去度假》便跳脱了传统说唱的框架，以松弛的念白与多元的编曲，拆解并重塑了说唱形态。这种对音乐流派的拓宽与融合，也是当下的潮流缩影。以说唱为例，从艾志恒Asen、华云龙扎根于方言叙事的本土表达，到夏之禹和地磁卡通过合作说唱专辑突破自我，再到陈一豪等音乐人对旋律说唱的探索，说唱风格正在以创作者独特的观察视角被拓宽延展。

陳嫺靜

奖项设置本身也洞察并回应了这种趋势。相较于传统音乐榜单界限清晰的类别划分，“硬地原创音乐奖”设立了如“年度合作歌曲”“最佳都市律动”“当代流行”等更具综合性与包容性的奖项维度。要知道，这在过往音乐奖项中大概率会被整合为“年度最佳”。

这些维度显然从“表达效果”出发，而非“类型归属”，它让行业更准确地捕捉那些流动的、复合型的美学。就如落日飞车的专辑《QUIT QUIETLY》与DEN的《blu-night》均入围“最佳都市律动专辑”，恰恰说明风格正在让位于表达本身。

趋势四，是地下音乐人正形成“小圈层革命”，自下而上地引发一场审美变革。比如2z2、ProN4c、Yaka、FiFi Zhang等Z世代音乐人，他们正以高度个人化的创作、融合先锋的电子编曲，在特定圈层率先构建起坚固的审美领地。

由ProN4c独立完成的《植物神经紊乱》入围“最佳电子/舞曲专辑”，他将脑神经喻为“过载的老式电脑”，试图用Hyperpop、Digicore剖析Z世代的集体焦虑。在专辑下最常见的评论之一，就是路人好奇“这到底是什么风格？”这种始于好奇、终于“入圈”的审美路径，正逐渐经由圈层渗透，拓宽着大众的音乐审美边界。

不被定义，是原创音乐的新表达？

每个年代都有属于它的音乐频率，从硬地奖的提名里，可以清晰感受到原创音乐多年来的变与不变。“不变”的是持续性的创作者本位；“变”的则是顺应时代流动下，不同代际、不同创作位置的音乐人，共同发生的感受迁移与表达更新。

如果按创作阶段来观察，这种变化会显得更加具体。其一，是仍在持续“冒险”的乐坛前辈们。

范晓萱&100%乐团跨越12年后重新聚在一起，打造了《过客》专辑，既是对90年代的致敬，也是一次彻底回到创作者本位的实践。这是范晓萱第一次亲自完成整张专辑的混音，她在采访中提到，整个过程几乎是“边学边做”，这种不设限的实验精神，也延伸到了创作本身，专辑内《出门记得要带口罩》这样极具生命力的作品，便诞生于乐队即兴的Jam现场。

范晓萱&100%乐团

此外，张震岳的《跟着感觉走》仍像是在普通人的故事现场“写生”，而陶喆的《STUPID POP SONGS》是在经历无数次自我颠覆后的又一次突破，这些前辈们用行动反复证明，创作的生命力来自永不停止的自我探索，也正是这种创作语言的独立性，使其成为原创音乐场域中的核心力量。

其二，已建立起个人音乐体系的中生代，正在成为市场的中流砥柱。以裘德为代表的中坚力量，已经构建起一套辨识度极强的音乐美学乃至表达系统。入围“年度专辑”的《离开银色荒原》，呈现出一种成熟稳定又独属裘德的审美。裘德的作品总是游走在音乐叙事、流行旋律与艺术化编曲之间，“想让裘德唱音乐剧”也成了评论区的高频呼声。这样的完整叙事，是他从第一张专辑开始就持续搭建的表达系统。

同样作为中坚力量的DOUDOU，凭借独特嗓音与细腻的编曲制作，在复出后迅速积累了超过百万的忠实乐迷，并入围“年度突破音乐人”，建立了极具辨识度的个人音乐风格。

音乐人们的审美碰撞也相当精彩，《变色龙》里“变弗洛伊德、变干炒牛河”的无厘头表达，展示了裘德和吴青峰两个创作者的绝妙审美对话。

其三，无法被定义的时代新声，构成一种难以预判、令人惊喜的时代特征。

比如凭借作品《Don't Kill Tom》入围“最佳都市律动专辑”的黄业圆，其单曲《Bad Time, Bad Works》称得上是一首“不合逻辑”的作品，抽象、喧闹，充满出其不意却又极具艺术探索性，用黄业圆的话来讲，“负责任地说，你没有听过一首像这样的歌”。

黄业圆

而入围“最佳民谣专辑”“年度新声”的海尾巴，通过福佬话摆脱了传统民谣套路，颇有“旧歌新唱”的风格。这些无法被定义的力量，最终汇聚成一种独特的时代气质。

外面的世界如何斗转星移，独立音乐的内核似乎始终是“创作者本位”，乐坛前辈们不依赖传统的创作配方，新人也不急于迎合市场需求，放到华语乐坛的语境里，在充斥“命题作文”和算法偏好的市场中，真实表达才具备穿透时间周期的力量。

滋养“慢创作”，原创音乐需要怎样的生态托举？

在AI时代，原创音乐面临的根本性挑战，是如何为“慢创作”提供生存空间。

要让“慢创作”在快节奏的时代里生根发芽，原创音乐首先需要被看见。网易云音乐在过去11年里，几乎是以一种“行业基建者”的姿态，完成了从0到1的生态建设。

这个生态始于对新人的发掘。从2016年的“石头计划”开始投资孵化原创音乐人，到2018年通过“云梯计划”提供持续的收入分成与流量扶持，平台由此为创作者解决生存与起步问题。

这种支持更深入到创作的源头，2022年，网易云音乐上线了一站式Beat交易平台“BeatSoul”，并举办业内首个聚焦幕后编曲人的大型评选。随后推出的“BEATSOUL激励计划”，让编曲人的作品也能享受播放版税分成，从产业上游为原创音乐夯实了人才与创意的根基。

而“硬地”系列IP的演进，在这当中持续起到拓宽并托举音乐良性审美的作用。从2018年的线下盛会“硬地围炉夜”，到持续至今的每月推荐好作品的“硬地原创音乐榜”，再到如今升维为更权威的“硬地原创音乐奖”，这一系列动作，共同构成了一个尊重创作规律、对抗短期主义的长期价值体系。

其次，原创音乐需要被允许有一条“非线性”的成长路径。平台的价值，在于为这种“慢热”提供初始的曝光和生长的耐心。具体而言，“硬地原创音乐奖”是通过构建一个由音乐制作人、媒体和自身乐迷共同组成的评审机制，“打捞”起那些数据不显眼但品质突出的作品。

裘德

“打捞”更多聚焦的是作品的长期价值。2018年入选石头计划第二季的裘德，之后多次收获了金曲奖最佳男歌手提名；蛙池的《河流》在2020年首次上榜“硬地原创音乐榜”，并在此后正式被大众市场看见；房东的猫获选平台2018原创盛典的“年度新人”，后于2023完成万人演唱会。包括新裤子、刺猬等乐队破圈之前，早已在网易云音乐拥有了自己的乐迷讨论阵地。这些案例都印证了，在算法热度之外，始终存在一条依靠作品生命力穿越周期的路径。

最后，平台的更高价值，不止于发现个体，更在于通过精良的企划，为多元表达提供命题和空间。例如网易云音乐发起的 “人生BGM”系列企划也入围了本届硬地奖“年度企划”，通过《爱的复调》与《自我即兴》上下篇章，为全世界不同文化背景的优秀原创音乐人提供交流的场域，碰撞出如babychair与周笔畅合作的《命中注定》，以及Phum Viphurit和9m88合作的《失眠航班》等等优秀作品。这也是用好企划激发好创作，并获得行业认可的证明。

在AI时代，音乐行业比任何时候都更需要珍视创作的主体性与独立性。独特个体与深度作品的涌现，需要一个尊重创作规律、能够对抗短期主义的健康生态，也唯有那些源自真实生命体验、带着“人”的温度与思考的诚实表达，才能穿透时间的重重迷雾。

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